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THE ARTISTIC JOURNEY OF RÉNOLD LAURENT

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INTRODUCTION

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   Haitian art has never been so diverse and we’d do well to believe it doesn’t intend on reaching a breaking point in the realization of its possibilities. The closure of the only art museum and the con nement of galleries to the single neigh- borhood of Pétion-Ville since the January 12, 2010 earthquake might suggest a sort of stagnation in artistic practice. And yet, everything moves. Despite a lack of guidance and the challeng- ing state of the art market, artists continue their work. Artistic output aspires to be both engaged and inventive. Among the most inventive artistic work is that of Rénold Laurent. As a visual artist, poet, and novelist, his art is part of an ongoing search. From the outset, he always refused ease, spontaneity, or improvisation.

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   Rénold’s artistic journey has been both rigorous and rapid. He has constructed his art with soberness and discipline. Can one speak of phases in Laurent’s art practice? Refusing any idea of art that emerges from spontaneity, he’s inclined towards an aesthetic achieved through gradualness. His introduction to art historian Michel Philippe Lerebours was decisive to this approach. It was at this point he realized that art can only be a methodic construction. Thus, he began taking up the great masters of Western art in order to perfect his technique. In this sense, he was above all in uenced by Manet. However after some time, gurativism could no longer provide the necessary momentum for his creative vision. From 2005–2007, he exhausts himself working in and through Kandinsky’s interpretation of abstract lyricism. And from this process his style surges forth. Clouds of color emerge from the canvas, expressing the extreme fragility of human things. While not wanting to represent reality, his work emerges from the human condition of tragedy. His artwork is constructed like a fog of colors, and in a slow movement, forms appear and timidly fade to make room for others. One cannot forget abstractions the color of re where the canvas becomes a eld invaded by streams of lava exploding in sparks.

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ARTISTIC THEMES

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   Rénold Laurent’s artistic journey inspires a lot of interest and many questions. The thematic diversity of his artwork seems to make him an unclassi able artist, sometimes misunder- stood. He isn’t attached to any particular gallery, but that isn’t as much of a disadvantage in Haiti as it’s typical even for the most well-known artists. What’s surprising is that he’s never been exhibited by a gallery in Haiti, despite recognition by the biggest art institutions, namely the Musée d’Art Haïtien and Centre d’Art. In effect, if Laurent’s work disturbs, it’s because of both its variety and resistance. If his work addresses traditional terms of Haitian modernism, like market scenes or popular expressions of Haitian culture such as “rara” or “trese riban,” or even abstraction (which seems to be his true path) it has also distanced itself from this modernity; for this reason art critic Webert Lahens has situated Laurent’s artwork in the history of artistic postmodernism in Haiti. Through his abstraction, Laurent makes a new proposition. His work is an act of resistance. Looking at the artists of his generation, one could say Laurent assumes the gure of a UFO. He completely refuses the forms and colors his contem- poraries adore. One could say that he is from another time, “le tien”; but while relying on a time that has already existed, he surpasses it. Thus the question, what is Rénold Laurent’s place in contemporary Haitian art? And can his artistic journey help us to answer it?

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   Despite his technical evolution and his preference for abstrac- tion due to hours spent drawing and reproducing the French impressionists of the 19th century, he remains attached to the initial themes of his training. Raised in a family of painters, from childhood Laurent took up the stylized forms that his father and brothers were drawing and painting: scenes of everyday life where people are most often placed in rustic landscapes and space is reduced to a bare minimum. But encountering Lerebours at the end of the 1990s marked an occasion that would change his conception of art and give his artistic practice its true momentum. This meeting was a con rmation of his artistic vocation. It’s at this time he began to study. Lerebours’ library offered him everything, from philosophical aesthetics and the aesthetic vision of Etienne Souriau and his followers, to the major currents in global and Haitian art history. He devoured novels and poetry, and thus, began writing. He published several collections of poetry with Choucoune Edition whose owner is none other than Christophe Charles, one of the most famous poets in contemporary Haitian literature.

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   With a preference for the impressionists, and more speci cally, portraiture and still-life, he worked on his drawing skills by copying the masters, theoretically and practically exploring major artistic movements. For a while, he looked for a means of expression through realistic forms. Towards the end of the 1990s and the beginning of the 2000s, going against the trends popular among artists of his generation, he chose abstraction. He refuses to paint in search of direct representa- tion, whether it be realistic or gurative. Hereafter, it’s more a question of meaning than saying. He offers us a more interior kind of painting, one that speaks to the soul, where forms seem to peer into our deepest emotions, and give the strange sensation that the world is a great blue background on which lines and colors play. In certain pieces, the colors seem to spring from nowhere; the shapes appear tormented by some sort of tragedy. The struggle of colors—peaceful here, violent there—gives rhythm, directing the gaze while interrogating what it means to see. But how many times have we not witnessed this majestic layout, which explodes the usual circle, where forms are taken up in a network that propels them towards a new reality, however elusive it may be, mistaken as easy or low-brow? The movements are slow and orderly, testimonies not to a found serenity or satis ed soul, but rather a disciplined spirit dreaming of order.

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COLORS AND TECHNIQUE

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    At other times, Rénold more aggressively expresses his con- cerns, transforming them into a kind of revolt. In these cases, despite the presence of vertical lines that provide a degree of measure to the movements, shapes utter and colors ow, streaming into one another. Everything degenerates. Total agitation prevails. The rhythm strikes like emotions tearing themselves apart. By 2006–2007, Laurent began experiment- ing with new materials, such as coffee or the integration of found objects into his pieces. In 2008, he presented the works that emerged from this experience to the public at his rst major exhibition and the last major exhibition curated by the Centre d’Art before its destruction in the earthquake of January 12, 2010.

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   The public discovers his audacious dichromatic technique. If black and white pervade his paintings, he uses them as an opportunity to execute a total art. This total art is made through collage and recuperated materials, always worked with a certain nesse. Thanks to marou age, and to a collage technique that gives depth to his pieces, the canvas becomes painting and sculpture simultaneously, placing it at the cutting edge of visual expression.

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   This effort to create a total art makes him an artist of syn- thesis and a great illustrator and fashion design teacher. His skill for abstract painting would be the envy of even the genre masters, however gurativism remains a cheval de bataille of the highest importance. We can then say that the gurative remains an anchoring point in his work, a source of inspira- tion even if, at the end, his major pieces are non- gurative. 

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   Rénold Laurent is undoubtedly a treasure in contemporary Haitian art. Tireless in his pursuit, each piece is a step toward the unknown, towards the search for a world where exploration remains endless. His work is part of an approach that interrogates artistic practice in its entirety. He brings into question the relationship between painting and other art forms, whether he practices them or not. For him, art is the only means of understanding the things that happen and the things that remain. His practice is an effort in constant renewal, one that outright refuses ease or compromise.

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   Dichromatic experimentation permitted Laurent to invent a style less evocative in regards to color, but one that offers us works of astonishing brilliance in the imaginative and suggestive force they elicit. If the variation in color and the play of gradation are diminished, we dare to argue that we are in the presence of another conception of the artist and his art entirely. He has completely unleashed his own audacity. If art still must devote itself to harmony, it isn’t in the homogeneity of the materials and even less so in the grandeur of the substances themselves. Now, he doesn’t hesitate to integrate objects into his paintings—or better yet his tableaux. When painting is incorporated, it’s only in order to accentuate certain features: a bra, a piece of tissue or jean, wood etc. Through the breath of his imagination, recuperated objects, trash that had already reached its nal destination in land lls, acquire a new life. These works of assemblage for some, collage for others, mix artistic mediums. If, in his aesthetic quest, Laurent returns to collage or to assemblage, it’s by no means a playful do-it-yourself project nor a means of simply jarring the gaze. To the contrary, the elaboration of his form is harmonic and always brings the gaze towards a center. Sit- uating himself in the wake of those who wanted to break the boundaries between art forms, or better yet, the artistic and the non-artistic, Laurent shows the richness in the encounter between diverse elements. Perhaps this is why he stripped his landscapes: in order to make room for the bare necessities. Once integrated into the landscape, once the objects become forms, they seem as though they no longer want to announce themselves as individual entities. They adapt to the point where they forget themselves. We interpret this integration not as a loss of individuality, but rather as an encounter of several individualities in the midst of shedding their differences—a utopic interpretation perhaps! Moreover, it’s clear in Laurent’s work that he doesn’t attempt to hide the nature of the objects. The initial form releases itself entirely, taking its place in the whole.

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QUEST AND TRANSFORMATION 

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   In essence, the aesthetic force of Laurent’s artwork, without wanting to reduce it, can be approached from three angles: the quest to transform materials, the synthesis of various artistic currents, and technical innovation. Laurent pursues a form of mixture where the artistic and the non-artistic rub shoulders. The impact of this mixture on our prevailing artistic sensibili- ties is often unsettling, but it permits the total integration of environment into art. Whether we like it or not, art is a medium for understanding nature; it always interrogates our existence. And we often feel overwhelmed by the weight of our questions. Nature seems too big; in order for us to explain it, we try to fragment it. Laurent studied the artistic movements that wanted to fragment nature in order to understand it, but he did not follow them. His vision, in my opinion, yearns to be total. This is probably what he intends to wrest from the heterogeneity of his materials. Laurent rarely gives a title to his pieces—and this isn’t a passing fad either. For him, art is just as much a manner of living as it is a way of doing. And life is mysterious; an ethereal thing that I cannot picture for myself without the sadness of lying to myself. Yet, Laurent never blames life. To the contrary, he represents it with grandeur of the work itself. One of the rare pieces he has titled is called “Waves.” We’re here caught up in our circumstances and it’s in confronting them that we get, if not the opportunity to know ourselves than at least the chance to evaluate our possibilities. Herein lies the greatness of life—it always enables this possibility for re ection.

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   In reality, Laurent never abandoned color. Three foundational events of his artistic career allowed him to return to the public with artwork rich in color and con rmed his place in the Haitian artworld. First, he was chosen by the directors of the l’Institut d’Etudes et de Recherches Africaines d’Haïti de l’Université d’Etat d’Haïti to produce a wall fresco in 2013.

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   It was created in collaboration with Philippe Antoine, art professor at the l’Ecole Nationale des Arts à Port-au-Prince. The fresco is four by two meters, revealing the true scope of his talent as an artist. If he had already familiarized the public in Jacmel with his large scale works, it was the rst time that the people of Port-au-Prince had the opportunity to re ect on a piece of this scale. This project had such a positive impact on the university community that the directors of the institute organized a large exhibit for Laurent entitled Expression and Abstraction in 2015 where he was connected with a sculptor from Riviere Froide named Karim Bleus. This exhibit received extraordinary media coverage. On this occasion, Laurent had the opportunity to meet Simil, a treasured giant of artistic modernism in Haiti, who praised Laurent’s discipline and extensive knowledge of colors. The next year, in June 2014, he was invited to participate in the 34th edition of the “Fiesta del Fuego” at the Casa del Caribe de Santiago de Cuba. One of Laurent’s pieces was depicted on the cover of the catalogue, “Caminos Poeticos” which brought together the work of Cuban and Haitian poets. Once again, the experience in Cuba allowed him to question his work and his conception of art. He returned from this trip with works dominated by a ery yellow color. This was the rst time in Laurent’s work that a real presence of the color yellow emerged. At the level of form, he became more sensitive to symbols. From there, he mixed his lyricism with geometric symbols.

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   His last major exhibition in Haiti took place at the Cultural Center of Brazil. More than thirty works were exhibited. The exhibit bene ted from several newspaper articles. Two notable conferences have been convened by two art historians, Jean Herald Legagneur and Sterlin Ulysse. These conferences have sparked a lot of debate on the question of abstract art in the history of Haitian art, and created a real dialogue between artists, theorists, and the public.

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   Today, Laurent moves towards a much more hectic, more dis- turbing form of abstraction. The entirety of his work tries to organize itself around a force of constant movement, whether it be a circle, or a sphere, or a spiral. When the forms are not captured by waves, they are caught by spirals that deform them. The agitated atmosphere of Laurent’s most recent works plunges us into the chaos of a beginning or of an end. One the living man, the unknown, the lost one, the adventurer who leaves his head full of illusions and heads towards the dark horizon.

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   The artistic journey of Rénold Laurent is not only an aesthetic search: it’s also a quest for the self. If his visual work is a constant evolution, in order to break boundaries, he had to do it in his own life by pursuing several forms of artistic ex- pression. And if he was born in a family of painters, he is the rst and the only to overcome technical and social obstacles in order to evolve his art. His birthplace, in the south east of Haiti near Jacmel, has given Haitian art several of its most cherished artists, including Le Domond and Celestin Faustin. If the area still possesses artists and artisans who combine gardening or other concerns with the practice of art, there’s no one highlighting this generational interest in artistic creation. There’s a reason Laurent founded the Centre Culture Soley Leve. He always wanted to help people, and more speci cally children, to realize the importance of the relationship between art and life. He has put his popularity as an artist in the service of his community. It’s this sense of commitment that attracted the team of “France O,” a French television program, when they decided to report on this center. The artistic journey of Rénold Laurent is above all else an effort to open, to encounter the other. This is perhaps the best explanation of his evolution to an abstraction methodically researched. Thus, his return to the gurative from time to time should not be understood as a need for inspiration as much as a return to origins in order to continually surge forth. 

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Sterlin Ulysse

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Dr. Sterlin Ulysse received his PhD at L’Ecole Normale Supérieure a— Université d’Etat d’Haïti, Port-au-Prince and the University of Toulouse-Jean Jaurès, France, in Ibero-American studies with a concentration in art and literature. Currently, he is Vice-Dean of research at Institute of African Studies and Research in the Higher Institute of Studies and Research in Social Science at the State University of Haiti. He also works with the FRAMESPA (France, Americas, Spain—Societies, Powers, Actors) laboratory .

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Le cheminement artistique de Rénold Laurent 

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  Le cheminement artistique de Rénold Laurent suscite beaucoup d’intérêt et de questionnements. La diversité thématique de son œuvre semble faire de lui un artiste inclassable, parfois mal compris. Il n’est attaché à aucune galerie en Haïti, mais ce n’est pas ici le véritable inconvénient, puisque c’est le cas de la plupart des artistes haïtiens, même les plus connus. L’étonnant c’est qu’il n’est jamais exposé par une galerie, en dépit de sa reconnaissance par les plus grands centres artistique d’Haïti à savoir le Musée d’Art Haïtien et Centre d’Art. En effet, si l’œuvre de Laurent dérange, c’est à la fois à cause de sa variété et sa résistance. Si elle aborde des termes traditionnels de la modernité artistique haïtienne comme des scènes de marché ou des manifestations populaires de la culture haïtienne, comme le « rara » ou « trese riban », ou encore  l’abstraction (qui semble sa véritable voie), elle a su prendre ses distances par rapport à cette modernité ; ce n’est donc pas sans raison que le critique d’art Wébert Lahens ait placé l’œuvre de Laurent dans l’histoire d’un postmodernisme artistique en Haiti, car il fait une proposition nouvelle à travers son abstraction. L’œuvre de Laurent est aussi un acte de résistance. Observant les artistes de sa génération, on dirait que Laurent fait figure d’un Ovni. Il refuse tout à fait les formes et les couleurs qu’affectionne sa génération. On dirait qu’il est d’un autre temps, « le tien » ; tout en s’appuyant sur un temps qui existait déjà, l’étudiant, le dépassant. D’où la question de savoir  quelle est la place de Rénold Laurent dans l’art contemporain en Haïti ?  Son cheminement artistique nous permettrait-il de répondre à cette interrogation ?

  En dépit de son évolution technique et sa préférence pour l’abstraction dues à des heures de travail à dessiner et  recopier les artistes impressionnistes du XIXe siècle français, il reste attaché à la thématique initiale de son apprentissage. Elevé dans une famille de peintres, dès son enfance, Laurent s'est mis à reprendre les formes pour le moins stylisées que son père et ses frères dessinaient et peignaient : scènes de la vie quotidienne où les personnages sont comme placardés sur paysage le plus souvent rustique, tandis que l'espace est réduit au strict minimum. Mais sa rencontre avec l’historien de l’art Michel Philippe Lerebours, à la fin des années 1990, constitue l’événement qui allait changer sa conception de l’art et donner à sa pratique artistique son véritable élan. Cette rencontre a été comme une confirmation de sa vocation artistique. C’est à ce moment là qu’il s’est mis à l’étude. Celle-ci est à la fois intense et varié. La bibliothèque de Lerebours lui a tout offert, depuis l’esthétique philosophique, en passant par la vision esthétique d’Etienne Souriau et de ses émules, jusqu’aux grands courants de l’histoire de l’art mondiale et haïtienne.  Il y dévore aussi romans et poésies. C’est ainsi qu’il s’est mis à l’écriture. Il a publié plusieurs recueils de poème chez Editions Choucoune dont le propriétaire n’est autre que Christophe Charles, l’un des poètes les plus connus de la littérature contemporaine haïtienne.   

  Explorant théoriquement et pratiquement les grands mouvements artistiques, il travaille son dessin en recopiant les maîtres, avec une préférence pour les impressionnistes et plus précisément à travers le portrait et la nature morte. Pendant un certain temps il a cherché, à travers des formes réalistes une manière d'expression.  Vers la fin des années 1990 et le début des années 2000, il choisit l’abstraction, presqu’à contre courant des artistes de sa génération. Il refuse alors toutes sortes de peintures qui cherchent une représentation directe — réaliste ou figurative. Désormais, il s'agit davantage de signifier que de dire. Ainsi nous offre-t-il une peinture plus intérieure qui s’adresse à l’âme où les formes semblent scruter les sentiments les plus profonds, qui donne souvent l’étrange sensation que le monde est un grand fond bleu sur lequel jouent lignes et couleurs. Dans certains tableaux, les couleurs semblent jaillir de nulle part ; les formes semblent tourmentées par une sorte de tragédie. Elles discutent leur place dans un espace circulaire où tout parait à la fois hermétique et éphémère. Lutte de couleurs — pacifique ici, violente là — donne le rythme, dirige le regard tout en interrogeant la vision. Mais combien de fois aussi n'a-t-on pas assisté à une majestueuse mise en page qui éclate le cercle habituel où les formes — toujours circulaires — sont prises dans un réseau de lignes verticales qui les propulsent vers une réalité toujours absente mais qu'on imagine sinon pas grandiose du moins supérieure qui méprise toute facilité ou pour ainsi dire le terre à terre ? Les mouvements sont alors lents et ordonnés, témoignages non d'une sérénité retrouvée ou d'une âme satisfaite, mais d’un esprit disciplinaire rêvant d'ordre. D’autres fois, Rénold laisse transparaitre plus vivement son inquiétude qui se transforme souvent en révolte. Dans ces cas, malgré la présence de lignes verticales qui donnent mesure aux mouvements, les formes s'agitent, les couleurs coulent, dégoulinent les unes sur les autres. Tout devient comme dégénéré. L'agitation l'emporte totalement. Le rythme frappe comme si les sentiments s’entredéchirent. Vers 2006-2007, Laurent expérimente des matériaux nouveaux, comme le café ou intégration d’objets dans ces tableaux. En 2008, il présente les œuvres issues de cette expérience au public, à l’occasion de sa première grande exposition et la dernière exposition majeure du Centre d’art avant sa destruction par le tremblement du 12 janvier 2010.

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  Cette expérimentation a permis à Laurent d’inventer un style moins évocateur en couleur, mais qui nous offre des œuvres étonnamment lumineuses par la force imaginative et suggestive qui s'en dégage. Si la variation des couleurs et les jeux des dégradés s'amoindrissent, nous osons dire que nous sommes en présence d’une autre conception de l'artiste de son art. Il libère totalement son audace. Si l'art doit encore se vouer à l'harmonie, ce n'est pas dans l'homogénéité des matériaux ou des matières encore moins dans leur noblesse. Désormais, il n'hésite pas à intégrer des objets dans sa peinture — disons de préférence son tableau—, la peinture quand elle intervient, c'est seulement pour accentuer certains traits : soutien-gorge, morceau de tissu ou de jean, de bois etc., objets récupérés, fatras qui avaient déjà accompli leur destin dans des dépôts acquièrent sous le souffle de son imagination une nouvelle vie. Ses tableaux d'assemblage pour certains, de collage pour d'autres mélangent les arts. On hésite souvent entre tableaux et bas-reliefs. Si, dans sa quête esthétique, il a recours au collage ou à l'assemblage, ce n'est nullement pour se livrer à un bricolage ludique ni pour faire éclater le regard. Au contraire, l'élaboration est harmonieuse et amène toujours le regard vers un centre. Se mettant dans le sillage de ceux qui ont voulu briser les frontières entre les arts ou entre l'artistique et le non-artistique, Laurent montre la richesse des rencontres entre les divers. C'est peut-être pour cela qu'il a dépouillé le paysage, lui accordant le strict nécessaire. Quant aux objets devenant formes une fois intégrées le paysage, ils semblent ne plus vouloir se déclarer jalousement seuls. Ils s'y adaptent jusqu'à s’oublier. Nous n’interprétons pas cette intégration comme une perte de l’individualité, mais comme la rencontre de plusieurs individualités parvenant à gérer leurs différences — interprétation utopiste peut-être ! D’ailleurs, il est clair qu'il n'y a pas dans les tableaux de Laurent une quelconque tentative de cacher la nature de l’objet. Ce dernier se livre presqu'entièrement tout en prenant sa place dans l’'ensemble. En effet, la force esthétique de l'oeuvre de Laurent, sans vouloir l’'enfermer, peut être abordée sur trois angles : recherche de renouvellement des matériaux, synthèse entre plusieurs courants et d'innovation technique. Laurent choisit la mixture où l'artistique et le non-artistique se côtoient. L'impact de cette mixture sur notre habitude de l'art est souvent déroutant. Mais elle permet l’intégration totale de l’environnement dans l'art. Que l'on veuille ou non, l'art est une manière d'appréhender la nature ; il questionne toujours notre existence. Et souvent nous nous sentons écrasés sous le poids de nos questionnements. La nature nous parait trop grande ; pour nous l'expliquer, nous tentons de la fragmenter. Laurent a suivi les mouvements artistiques qui ont voulu fragmenter la nature pour la comprendre, mais ne les suit pas. Sa vision, à mon sens, se veut totale. C'est probablement cela qu'il compte arracher à l'hétérogénéité des matériaux. Laurent donne rarement un titre à ses tableaux —, ce n'est nullement par effet de mode. Pour lui, l'art est autant une manière de vivre qu'une manière de faire. Et la vie est mystérieuse ; flottante chose que je ne peux me représenter sans avoir la triste sensation de me mentir. Pourtant Laurent n'a jamais blâmé la vie. Au contraire, il la représente avec grandeur. L'un des rares tableaux qu'il a titré dans cette exposition au Centre d’Art s'appelle vagues. Nous y sommes comme happés par les circonstances et c'est en les affrontant que nous parviendrons sinon à nous connaître du moins à mesurer nos possibilités. Voilà en quoi consiste la grandeur de la vie — elle nous favorise toujours ces circonstances.

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   En réalité, Laurent n’avait jamais abandonné la couleur. Trois événements fondamentaux de son parcours d’artistes allaient lui permettre de revenir auprès du public avec des œuvres riches en couleur et qui ont confirmé sa place dans le monde de l’art en Haïti. D’abord, il a été choisi par les dirigeants de l’Institut d’Etudes et de Recherches Africaines d’Haïti de l’Université d’Etat d’Haïti pour la réalisation d’une fresque murale en 2013. Il l’a réalisé en collaboration avec Philippe Antoine, professeur de peinture à l’Ecole Nationale des Arts à Port-au-Prince. Cette fresque d’une dimension de quatre mètres sur deux mètres, montre la vraie mesure du talent de l’artiste. S’il avait déjà habitué le public de Jacmel à ces toiles de très grandes dimensions, c’était pour la première fois que le public de Port-au-Prince allait contempler une oeuvre gigantesque du peintre. Cette réalisation a eu un impact si positif auprès de la communauté universitaire, amenait les dirigeants dudit Institut à organiser une grande exposition de l’artiste intitulé « Expression et Abstraction » en 2015 où il a été associé au sculpteur de la Rivière-Froide Karim Bléus. Celle-ci a eu une couverture médiatique extraordinaire. En cette occasion, Laurent a eu la chance de rencontrer Simil, monstre sacré de la Modernité artistique en Haïti, qui a salué la discipline et la grande connaissance de Laurent des couleurs. L’année suivante, en juillet 2014, il est invité à participer à la 34e édition du festival « Fiesta del Fuego » à la Casa del Caribe de Santiago de Cuba. La couverture du catalogue « Caminos Poeticos » produit en cette occasion réunissant les œuvres de poètes cubains et haïtiens a été illustrée par l’un des tableaux de Laurent. En outre cette expérience à Cuba, lui a permis de questionner son travail et sa conception de l’art. Ainsi est-il revenu de ce séjour avec des œuvres dominées par un jaune couleur de feu. Il est vrai qu’il savait déjà s’inspirer du feu-follet,  mais c’était pour la première fois qu’on assistait chez Laurent une telle présence du jaune. Au niveau de la forme, il est devenu plus sensible aux symboles. A partir de là, il mêle son lyrisme de symboles géométriques.

  Sa dernière grande exposition en Haïti a eu lieu au Centre Culturel du Brésil. Plus d’une trentaine d’œuvres furent exposées. Cette exposition a bénéficié de plusieurs articles de journaux. Deux grandes conférences ont été prononcées par deux historiens de l’art, Jean Hérald Legagneur et Sterlin Ulysse. Ces conférences ont suscité beaucoup de débats en ce qui a trait à la problématique de l’art abstrait dans l’histoire de l’art haïtien. On a senti la nécessité d’un véritable dialogue entre artistes, théoriciens et public. 

   L'artiste, nous pouvons dire, est une « âme en peine ». Il ne cesse d'enfoncer les portes ouvertes ; à chaque instant de son existence, il s'interroge : « Qu'est-ce que l'homme peut encore ?... Ne lui reste-t-il qu'à redire ? » (A. Gide, L'Immoraliste). Aucun artiste ne saurait à mon avis échapper à ces questions. L'artiste a des défis à relever. Il a sur son dos le poids des civilisations, de la société des habitudes de l'art lui-même. L'artiste est de ceux qui n'ont pas de choix. Il doit impérativement inventer une parole, une autre manière de dire, un langage jusque-là inconnu, négligé ou plus modestement non assez exploité. Il déroute l'évidence jusqu'à lui fait perdre son charme. Le risque est énorme, quand on sait que pour le commun des mortels l'art est à côté de la vie sérieuse et qu'il doit son existence au versant pour le moins futile de l'homme qui demande un peu de loisir et de divertissement pour garder le moral au beau fixe. Laurent a couru le risque. Il nous propose un art qui n'a rien à voir avec l'amusement ; un art qui interroge profondément nos vieilles catégories. Il a brisé les frontières de nos habitudes artistiques. Ses tableaux ne nous demandent pas seulement de voir, mais aussi d'entendre et surtout de sentir ; car leur langage nous engage dans un dialogue qui concerne l'homme vivant, cet inconnu, cet égaré, cet aventurier qui part la tête pleine d'illusions vers l'horizon obscur.

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   Le cheminement artistique de Rénold Laurent n’est pas seulement une recherche esthétique, il s’inscrit aussi dans une quête de soi. Si dans son œuvre picturale, il s’est constamment évertué, comme nous venons de voir, à briser les frontières, il l’a fait dans sa vie également en pratiquant plusieurs expressions artistique. Ce n’est pas sans raison qu’il a créé chez lui à Source Bretoux dans le Sud-Est, près de la ville de Jacmel, le Centre Culturel « Soley Leve ». Il a toujours voulu former les gens et plus précisément les enfants, à les éclairer sur l’importance de la relation entre l’art et la vie. Il a su à plusieurs occasions mettre sa popularité d’artiste au service de sa communauté. C’est le sens de cet engagement qui avait attiré l’équipe de la « France Ô », une télévision française, quand elle a entrepris d’effectuer un reportage sur son atelier. Le cheminement artistique de Renold Laurent c’est surtout un effort d’ouverture, de rencontre de l’autre. On peut expliquer son évolution d’un art purement naïf vers l’abstrait. Ainsi le retour de temps en temps au figuratif ne peut être compris par un besoin de resourcement, comme un retour à l’origine afin de mieux rebondir.       

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Sterlin Ulysse

Dr. Sterlin Ulysse received his PhD at L’Ecole Normale Supérieure a— Université d’Etat d’Haïti, Port-au-Prince and the University of Toulouse-Jean Jaurès, France, in Ibero-American studies with a concentration in art and literature. Currently, he is Vice-Dean of research at Institute of African Studies and Research in the Higher Institute of Studies and Research in Social Science at the State University of Haiti. He also works with the FRAMESPA (France, Americas, Spain—Societies, Powers, Actors) laboratory .

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